Von Versuchen, Menschen näher zu kommen (Tipps vom 05.03. - 18.03.2018)

Liebe Leser,

in den letzten Wochen war immer so viel los im Leben des Witte, dass ich mein Hobby der Filmkritik zwangsläufig vernachlässigen musste. Kleines Beispiel: Da ist ein Musikvideo erschienen, wo einige Einstellungen von Kränen und Abrissbirnen meiner Kamera führenden Hand entstammen! So kann es einem ergehen, aber denkt ja nicht, dass ich nur wenige gute Filme sah, oh no! Hier hat sich von der reinen Menge her vieles angeboten, aber sobald ich mir die Zeit nehmen wollte, lange und ausgiebig schriftlich darzulegen, warum sie mir gefallen, machten mir externe Faktoren wieder einen Strich durch die Rechnung. Sind halt jetzt andere Zeiten als noch vor 3 oder 4 Jahren. Habe selber letztens drauf zurückgeblickt und war überwältigt, wie viel und in welcher Menge an Abschnitten hier jeweils Woche für Woche an Filmen empfohlen wurden! Aber es braucht keine Traurigkeit in solchen Zeilen – ich mach ja weiter, nur anders (?)! 

Das ist eventuell die Schlusspointe des neuesten Netflix-Release „Auslöschung“, aber da sind sich ja nicht alle einig, wo doch so viele Theorien der Aufschlüsselung herumgereicht werden. Vielleicht ist’s eh nur eine künstliche Aufregung um einen Film, der seinen Ruf nur bedingt einlösen kann. Zu komplex für den Kinoeinsatz sagen die einen, Sci-Fi-Meilenstein proklamieren die anderen. Ich will’s nicht so eng sehen, denn mir ging er höchstens im Finale richtig nahe – da war Alex Garlands Inszenierung auf einmal so stark konzentriert im Sog, so vom Bauchgefühl her und nonverbal im Kosmos unbekannter Ängste und Mimikry herantastend, wie es der ganze Film gerne hätte sein können. Vorher allerdings gibt er einen recht mäandernden Rahmen vor, wie genau das Spannungsfeld erneuter außerirdischer Invasion zu verstehen ist: Eine Expedition ins Herz der Finsternis als Selbstbeweis Natalie Portmans für die Wissenschaft oder auch wahlweise den Ehegatten (Oscar Isaac) – von Anfang bis Ende so schicksalsschwer mit Rückblenden und ausgestellten Mysterien beladen, dass es dem kollektiven Schauspiel schon die Luft abwürgt. Portman allerdings ist seit jeher stets bemüht, echte Menschen darzustellen – hier muss sie sich zudem in eine oberflächliche Crew einreihen, die ihr Handeln zwar ausgiebig (manchmal auch sehr plump) verbalisieren, aber eben nur vom angeteaserten Rollentypus her (bzw. manchmal auch gar nicht) motivieren kann. Genauso verhält sich Regisseur Garland mit seiner fulminanten Bilderwelt, die an sich eigentlich gut mit Faszination liebäugelt, aber stets auf Distanz bleibt, ebenso frustrierend an der Immersion vorbeimontiert ist.



Man könnte argumentieren, dass das von der vorsichtigen Lösungssehnsucht der Charaktere herrührt - auf dem Papier sollen sie dann aber wiederum durchweg von Desorientierung und Angst gezeichnet sein, was in Filmform einiges an Überwältigung missen lässt; im Fall der etwas doll klischierten Gina Rodriguez am ehesten für Hysterie (und sogar Gore) sorgt. Ich hab den Vergleich schon auf Twitter gezogen, aber jene gedrückte Handhabe ging bei mir größtenteils nicht über den Habitus von „Transcendence“ hinaus (der ja auch positive Aspekte an sich hatte, nicht falsch verstehen). Es lässt sich auch nicht ganz von der Hand weisen, wie Garland das Verhältnis von Fragen und Antworten aufwiegt bzw. wie er die Deutung derer dem Zuschauer abnimmt – selbst wenn er sich in einer (nicht immer gelungenen) Verschachtelung übt, welche das labile Wesen des Menschen sowie seiner Wahrnehmung ins Gewissen rückt. Der Punkt ist durchaus die stichhaltigste Schlussfolgerung des Films, der darin auch Ängste der Übernahme aus unserer Gegenwart behüteter Identitäten reiht, als kämen die Körperfresser wieder zu Besuch. Dafür nimmt der Film aber auch einige Plattitüden an Menschenkenntnis in Kauf, die es einem einfacher als nötig machen und letztendlich halt auf eine Odyssee reißerischer Entdeckungen/Schocks abzielen (die Formulierung werde ich mir heute mehr als einmal erlauben). Von dem bewährten Konzept aus kann man dem Film noch gut folgen, allerdings war’s letztendlich doch ein beschwerlicher Weg aus obligatorischen Vertrauensfragen und Was-ist-das-erklärs-mir's hin zum finalen Rausch. 

Etwas weniger als das bietet hingegen der ebenfalls auf Netflix neugestartete „The Outsider“ an. Regisseur Martin Zandvliet wollte ich da im Vertrauen mehr Kompetenz anrechnen, da ich seinen „Unter dem Sand“ noch für effektives Spannungskino verhärteter Fronten im Frieden hielt. Eben dessen Thema, wie ehemalige Kriegsfeinde zu Freunden werden können, wie Schuld und Gewissen innerhalb neuer Abhängigkeitsverhältnisse abzugleichen sind, mag ihn auch zu diesem Stoff geführt haben – doch mit dem Herzstück an Kontrasten kommt er nicht weit, wenn Jared Leto als G.I.-Yakuza-Konvolut sehr typische Genrepfade erneut bewandert und aus rein stumpfer Anpassung ins Pathos ehrwürdiger Rache rutscht. Ich schätze, es geht ihm da noch um die mentalen Folgen von Militär und Kriegsgefangenschaft - Leto und Zandvliet wissen aber scheinbar kaum, wie sie diese Hülle an sich zumindest zur Hülle ausfüllen können. Zudem scheint Zandvliet auch sein sonstiges inszenatorisches Geschick abhanden gekommen zu sein. Anstatt Spannung zu ballen, verlässt er sich auf Steadicam-Strecken, Neonfarben und die ältesten Kamellen von Schuss und Gegenschuss, um irgendwo ein Hauch von Zen auszumachen. Es bleibt aber Wunschdenken, solange die Verhältnisse untereinander mit Binsenweisheiten, Territorialdrohungen und reaktionärem Gangster-Einmaleins allein begossen werden.



Und das ist dann keine sich ins existenzielle Nirwana steigernde Poesie à la Kitano, sondern ein Märchen aus 1001 zuvorgekommenen Filmen, das allenfalls noch von der Ambivalenz seiner Hauptfigur unterwandert wird. Aber ist diese überhaupt tatsächlich präsent oder nur ein Ventil für eruptive Gewaltmomente? In denen wacht der Film ja am Meisten auf und hält selbst dann spekulativ drauf, wenn auch zum dritten Mal hintereinander der kleine Finger abgeschnitten wird. Solche Szenen sagen zwar aus, wie weit der Gaijin für seine Befreier gehen würde, aber es wird letztendlich nur im lustlosen Abhaken an Topoi draus geschlossen, wie dieses Verhältnis z.B. im Kontrast zum eigentlichen Nachkriegsverhältnis anno dazumal steht, eben was jene wechselseitige Anpassung macht oder ausmacht. Universelle Bruderschaft, gar die sehr altbackene Liebe zum exotischen Mädel? Irgendwo lungern profunde Werte, werden aber so oder so vom Film her aufs Mühseligste in drei Akten aufgelöst. Die Motivation des Narrativs gründet sich dann zwar noch immer auf der (spätestens seit Kurosawa/Leone erwiesenen) Faszination der westlichen Welt zum Themenkomplex Nippon und andersrum, verharrt aber in der Hemmung, schlicht von außen rein zu schauen und infolge dessen aus dem Innern in die Beliebigkeit zurück zu starren. 

Ein Stück weit mit demselben problematischen Ansatz hadert auch das neue Romy-Schneider-Porträt „3 Tage in Quiberon“. Emily Atefs Berlinale-Beitrag probiert anhand eines reduzierten Naturalismus, das Wesen der berüchtigten Protagonistin binnen purer Intimität zu verinnerlichen. Zentral dafür gerät eine Interview-Situation mit Vertretern des Stern Magazins in eskalierende Gewissensangriffe über, welche ihr Subjekt mit aller Gewalt zu fassen versuchen sowie mit voller journalistischer Grenzüberschreitung auf Widerstände des Privaten einbohren (auch den Sekt aufstellen, obwohl Romy auf Entzug sein soll). Die Auflösung einer Person des öffentlichen Lebens scheint keine Gefangenen zu machen, obgleich man hauptsächlich Reaktionen denn wirklich konstruktive Reflexionen erwarten dürfte. Seelen-Exhibitionismus halt. Mit der Realität müssen sich Film und Zuschauer (hoffe ich doch) zwangsläufig ebenso abfinden, also dass innerhalb solcher Rahmenbedingungen nichts Absolutes an der Person Schneiders feststellbar sein wird. In der Umsetzung aber beruft sich der Film offenbar auf eine immerwährende Melancholie ihrerseits, eben eine, die sie mit ihrem Markenzeichen der hinterher hängenden Kindlichkeit zu überspielen versucht. Ein bisschen Image, ein bisschen Anti-Image, fertig ist der Lack? Unter Umständen geht man mit so einer Charakteristik eher noch in Sachen biographischer Einzelheiten in die Tiefe, wirklich vielschichtig fällt der filmische Wert dessen auf dem Papier dann trotzdem nicht aus. Dass es nicht so herbe ins Gewicht fällt, ist Marie Bäumer zu verdanken, die selbst aus der noch so peniblen Mimikry des Interviews stets Echtes nach vorne fördert. Das funzt auch daher so stimmig, weil der Film ihr nicht in die Quere kommt. Der wirkt im Gegenzug seiner selbst willen oft zu diszipliniert-distanziert, von einer nie aufgelösten Inkonsequenz und Irrelevanz unterlaufen. Gut, es basiert explizit auf etwas Echtem und wenn man das vermitteln will, ist manch hingenommene Leere sogar ein Muss. Trotzdem nutzt Atef auch abseits dieses Faktums kaum was an filmtechnischen Möglichkeiten, auf etwas Inneres in jenen Etappen hinzuweisen, außer Motive einer stinknormalen Kuranstalt – in Schwarz-Weiß immerhin!



Die Spannung kommt in jenem Szenario deutlich aus der zwischenmenschlichen Reibung, aber ihre Gestaltung, Kameraführung und Sounds bleiben konstant auf demselben Level von basic coverage. Es kann uns eigentlich kaum gleichgültig sein, was wir da sehen, aber genau mit dem Gefühl wird man angefüttert/hinausgezögert, was nicht mal mit dem Unterbau einer einnehmenden Atmosphäre ausgeglichen wird. Es ist dermaßen unpersönlich, aber die Unpersönlichkeit fließt so gut wie gar nicht ins Narrativ ein – dafür ist alles am Hotel und seiner Therapie zu gemütlich ins rechte Licht gerückt (Gegenbeispiel hierfür: „Die Sehnsucht der Veronika Voss“). In dem Sinne macht Quiberon seine 115 Minuten so schwer wie er dünn ist. Dennoch gibt es einzelne Situationen, die aus dem Nichts mit Haltung glänzen. Exemplarisch sei da die Kneipenszene genannt, in welcher die Euphorie der Trunkenheit auch inszenatorisch von einer Person zur nächsten schlendert, dort eine Möglichkeit des Seins aufbereitet, die der ansonsten übergreifenden Existenzverdrossenheit des Films etwas Paroli bietet. Genauso gut dürften die Anflüge zarter Freundschaft innerhalb des Quartetts um Schneider, Freundin Hilde Fritsch (Birgit Minichmayr) und Journalisten (Robert Gwisdek und Charly Hübner) greifen, wenn sie denn nicht ständig von der Sorge bzw. der Ausbeutung der Sorge überschattet wären. Im Dialog stellt der Film diesen Umstand sogar an sich selber fest – es fällt ihm aber nur für wenige Momente ein, aus jener Monotonie wirklich auszubrechen, z.B. wenn der Kellner mit Hilde flirtet oder wenn der Film in kurzen Stichpunkten auf die Brüchigkeit derer kommt, die nicht Romy Schneider heißen. Und dankenswerter Weise schließt Atef auch mit einer Note des Aufschwungs, der Ablösung vom Zwang des per Öffentlichkeit verprellten Ichs. Doch mit solch einer dem Zuschauer gereichten Methodik bleibt der Film halt nochmals absolut vage. Kann ich auch jetzt noch nicht beurteilen, ob’s in dem Fall positiv oder negativ nachwirkt. 

Ausgesprochen positiv eingestellt war ich in letzter Zeit allerdings gegenüber Jim Sheridans „Get Rich or Die Tryin‘“, obgleich der Film in seiner verfremdeten Selbstdarstellung des 50 Cent Curtis Jackson weit vereinfachter auf Biographisches blickt, in eine trivial verdauliche Gut-gegen-Böse-Chronologie vom Street Life bettet. Die Glorifizierung des Gangsta-Raps ist dementsprechend von vielerlei Grauzonen getilgt oder an den heikelsten Stellen so überspitzt ins Positive gepolt worden, wie es inzwischen nur noch voll Fragwürdigkeit amüsieren kann. Drehbuchautor Terence Winter ließ später auch den „Wolf of Wall Street“ in seiner Selbstherrlichkeit auflaufen, hier vermengt er seinen Mangel an kritischer Distanz aber noch mit höchst spekulativer Milieu-Zeichnung – und das obwohl die Beteiligten alle Möglichkeiten hätten, sich aus ihrem jeweils aufgepeitschten Klischee herauszulösen. Umso kurzweiliger kommt das Biopic-Prozedere sofort auf Intensivstation, den Mythos des kugelsicheren Multitalents im high drama totalen Ghetto-Kintopps auszustaffieren – wo die Kindheit um die Hooker-with-a-heart-of-gold von Mutter kreist, später per Mentor ins Drogen- wie Hip-Hop-Geschäft einsteigt, um letztendlich sich selbst, den echten Daddy/Muttermörder sowie eine glückliche Vervollständigung mit Frau und Kind zu finden. Würde man noch klassische Musik druntermischen, müsste „Moonlight“ hier einen ernsthaften Konkurrenten fürchten – und damit ist nicht nur vom thematischen Gehalt her die letztendlich rahmenbildende Bromance zu Terrence Howard oder die Hassliebe von/zu Drogen-Kingpin Majestic (Adewale Akinnuoye-Agbaje) gemeint. Klar, ist jetzt ein überkandidelter Vergleich, aber zumindest im Sog machen sich beide Filme ebenbürtig um Aufmerksamkeit verdient. Der eine lässt halt seine Charakterstudie in Bildern nachfühlen, der andere in ultravulgärem Cliquen-Slang auf der road to success.



Und dann kommen noch durchweg kindliche Anwandlungen des Protzens zur Geltung, die selbst per Mietwagen auf dicke Hose machen – dann nennen ihn nämlich alle im Viertel „den Hübschen“, zu drollig! Auch irgendwie kindlich geht der Film mit einem um, wie plötzlich Handlungselemente und Figuren eingeführt werden, die im Ensemble als selbstverständlich gelten, gar auf einmal weitreichenden Einfluss von Kindesbeinen an haben – obwohl die zu dem Zeitpunkt im Film kaum anwesend waren, trotzdem großen Aufwind produzieren. Man bemerke dafür allein die Wiederbegegnung unseres Marcus (50 Cent) mit seiner angeblichen Jugendliebe Charlene (Joy Bryant) und wie weit das ab dort entwickelt wird/zurück gehen soll. Es wird nicht der einzige wundersame Irritationspunkt des Films bleiben. Falls man davon mal nicht kurios am Halse gepackt wird, stehen die Dialoge Schlange, einen mit drübberen Proklamationen und inspirierenden wie bedrohenden Phrasen auf die schiefe Bahn zu führen. Die ganze Aufregung ist so sympathisch aufs Epische im Profanen aus und innerhalb seiner ballernden Missetaten zudem energisch mit Erklärungs-/Deeskalationsversuchen gewappnet, dass man kaum glaubt, welch Krönung noch auf einen wartet: Die Messerstecherei in der Gefängnisdusche! Die geht auf die Barrikaden wie eine Mischung aus „Eastern Promises“ und „Zwist in Zellenblock 99“, wie eruptiv da mit Klingen, Seife, Schwänzen und Polizeiknüppeln um Gerechtigkeit und Aufstand gehadert wird, ehe eine neue Brüderlichkeit entsteht. Hätte sich das Intro von „The Outsider“ mal mehr hiervon abgeguckt! Man sieht: Es gibt viele einzelne Faktoren/Sequenzen/Eigenarten, die den Film hier mächtig gewaltig pimpen, obgleich er in Sachen Feingefühl erwartungsgemäß stets in der Klemme steckt – wartet mal ab, wie Oscar-verdächtig es sodann rüberkommt, wenn 50 Cent mit zugenähtem Mund in Beziehungsprobleme der Kommunikation abgleitet: Wie der ganze Film ein problematischer Mordsspaß in Formvollendung! 

Eine gute Überleitung übrigens zu meinem nächsten Trio - gewiss wieder eins, das (passend zu den anderen Beispielen dieser Ausgabe) mit der medialen Interpretation von Tätern und Opfern jeweils sehr wählerisch Spannung per Provokation erzeugt. Und zwar handelt es sich um drei Verfilmungen der Causa Gladbeck. Innerhalb der letzten Wochen dürfte der hiesigen Allgemeinheit wieder des Öfteren in Erinnerung gerufen worden sein, was im August 1988 binnen der BRD geschah. Ich will daher nicht nochmal wiederholen, wie das tödliche Geiseldrama des Trios Rösner/Degowski/Löblich verlaufen ist oder wie ich die Handlungen von Polizei und Presse werten würde. Für jede Position zu diesem Sachverhalt gibt es nämlich schon mindestens einen Spiel- bzw. Dokumentarfilm und um in dem Sinne mal einen Überblick zu geben, beäuge ich drei Vertreter, die allesamt aus ihren individuellen Gründen auch kein vollends differenziertes Bild dessen liefern können: Zum einen wäre da das eher schwache Drama „Ein großes Ding“ von Bernd Schadewald. Der Regisseur hatte sich mir mit Filmen wie „Angst“ (1994) als Blickverstärker der geläufigen Sozialstudie gezeigt, indem er besondere Härtefälle menschlicher Untiefen entsprechend schroff im Naturalismus anordnen konnte (siehe auch den etwas gemäßigteren, aber stilverwandten Uwe Frießner). Sehr grell, aber auch sehr nah. Dasselbe wollte ich mir von seiner losen Adaption der Gladbeck-Chronologie erhoffen, doch allein die Besetzung von Richy Müller, Jürgen Vogel, Uwe Fellensiek und Katja Flint ist schlicht zu viel des Guten. Ab und an wurde ja argumentiert, dass der Cast zur Parodie neigen will, doch wenn man als Maßstab ohne Weiteres Christoph Schlingensiefs „Terror 2000“ nehmen kann, wirkt es umso befremdlicher, wie die realen Ereignisse hier gleichsam für einen echten Zweiteiler-Krimi Pate stehen und in den Abänderungen auf plumpe Kolportage angesetzt werden. Die Trivialisierung nimmt Überhand, nur im Vergleich zum 50-Cent-Film entsteht da lediglich bedingt ein Unterhaltungswert – zumal Müller und Vogel permanent am Schreien sind; Verfolgungsjagden, Fluchtsituationen sowie die Rollen von Medien und Polizei ohnehin auf eindeutiges TV-Niveau hin aufbereitet sind. Interessant am Film ist aber, wie er einem die Gangster sogar noch sympathisch zu machen versucht – eben als rotzige Typen, die eigentlich ganz nett sein wollen/könnten, ihren Nichten Gute-Nacht-Geschichten erzählen und sich schlicht ein besseres Leben wünschen, wenn man sie nicht vorsorglich-lebenslänglich in die soziale Endstation verfrachtet hätte. 

Solche Argumente präsentiert in etwa auch der Dokumentarfilm „Der Geiselgangster von Gladbeck“ von Uta Claus. In diesem recht frühen Portrait von 1991 wird speziell der Lebensweg Dieter Degowskis durch Zeitgenossen nacherzählt und interpretiert. Ehemalige Nachbarn, Kollegen, eines seiner Geschwister, ehemalige Geiseln sowie Psychologen und sogar sein Strafverteidiger kommen zu Wort. In den Gesprächen wird eine grausame Kindheit offenbart, folglich auch in welchen Bedingungen kaum Hoffnung für den Mann keimen konnte und in welchen Kreisen er sich also fortwährend noch was wert fühlte. Alles Aussagen, die in konkreter Abbildung zwar nicht werten, in der Ballung aber natürlich Partei ergreifen müssten. Dagegen stehen ausgerechnet die Aussagen, die in Richtung Sympathie gehen, da sie allesamt von einer gewissen Naivität herrühren – Schwester und Kumpel meinen, dass er mit ihnen mitgekommen wäre, wenn sie frühzeitig dagewesen und die Polizei sie nur gemacht lassen hätten; Strafverteidiger und Psychologen lassen zudem jeden verhängnisvollen Impuls als Reaktion auf die Vergangenheit oder auch jede Behauptung der Reue als Anlass zur Schuldverminderung gelten, selbst wenn sie noch so bizarr klingen mögen (u.a. Degowskis Anruf ans Totenreich, dass Silke Bischoff ihm auf dem Wege schon verziehen, er Emanuele De Giorgi aber noch nicht erreicht hätte). Was seine überlebenden Opfer zu ihrer Begegnung mit ihm zu sagen haben, scheint zudem hauptsächlich von Unberechenbarkeit gezeichnet zu sein, eben wie wenig sie alles abseits der permanenten Furcht beurteilen konnten. Der Film hat also ein ziemlich offenes Auge für Mängel und Zwiespälte in der Menschenkenntnis seiner Zeit, als dass er händeringend um ein Urteil zur Person Degowskis argumentieren würde. In der Funktion vermeidet es der Film aber eher, die Rolle der Medien als Faktor in dem Fall kritisch zu betrachten – dann würde er sich ja selbst als erneute Projektionsfläche dessen reflektieren müssen, aber ohne diesen Aspekt wird die Sache wiederum heikler, insbesondere da einige Zwischentitel mit enorm finsterer Musik darauf hinweisen, welche Interviewpartner man aufgrund der Entscheidungen der Justiz nicht aufsuchen durfte. In eine ähnliche Falle tappte übrigens auch die Docu-Fiction RTL’s zu dem Fall, „Wettlauf mit dem Tod“ (1998), als diese die Mittäterin Marion Löblich selbst vor die Kamera zum Interview ranholte. Dort durfte sie sich dann im Nachhinein über die Aktionen von Polizei und Presse empören, auch dass man sie selbst hätte schneller schnappen müssen, bis sie in den nachgestellten Szenen zeitweise sogar zur Stimme der Vernunft hochstilisiert wurde. Wenn noch Brisanteres an Distanzlosigkeit in dem Film aufgetaucht wäre, würde ich jetzt auspacken, aber ich belasse es lieber dabei, noch zu erwähnen, dass Rudolf-Thome-Stammschauspieler Cornelius Schwalm hier eine seiner ersten Rollen als Rössner inne hatte! 

Zum Schluss sei aber noch die aktuellste Adaption des Falls genannt, schlicht „Gladbeck“ - knapp rechtzeitig zum 30. Jubiläum der damaligen Ereignisse von Kilian Riedhof inszeniert und von der ARD als Zweiteiler zur Primetime ausgestrahlt. Die Beweggründe dafür sind mir im Nachhinein weiterhin etwas schleierhaft. Rein oberflächlich betrachtet gibt dieses Event einen ziemlich straffen Terrorfilm ab, der allerdings auch ausschließlich dieses Gefühl auszudrücken imstande ist. Jedes Mal, wenn er die Zwischentöne der einst tatsächlichen Reaktionen nachzuzeichnen versucht, wirkt er daher komplett neben der Spur und widersprüchlich binnen seiner selbst. Der inszenatorische Grundmodus der Bedrohung gibt zwar permanent Druck in (merkwürdig coloriertem) Cinemascope und Synth-Drones, doch da beißen sich erst recht die naturalistischen Eindrücke der Mimikry mit hochdramatisierten Drehbuchphrasen anhand von Einsatzleitern. Zudem sieht man sich als Zuschauer auch auf eine Emotionalisierung angesetzt, die dem Desasterfilm-Prinzip gemäß einzelne Vorgeschichten, Betroffenheits-Sequenzen und Gesten des Gefühls als Symbolbilder der Menschlichkeit spekuliert. Ist jetzt halt ein Film-Film, von daher sind Rössner und Co. vollends als fettige und räudige Monster ohne echten Kontext ihrer Präsenz gezeichnet. Da steckt man gar nicht mal uneffektiv und vor allem intensiver in der Sommerhitze der Angst drin, zumal sich der Thrill modern körperbetont zwischen Neonlicht und Bordstein reindrückt - doch es ist wie gesagt die einzige Stärke dieser Odyssee. Das größte revisionistische Potenzial hätte ich eigentlich in der Darstellung von P+P vermutet und da ist die Sache für wahr ziemlich kurios ausgefallen: Einerseits wollte Riedhof den Schock der stets vermasselten Annäherung an die Täter für den Effekt ausnutzen, andererseits den einzelnen Urhebern mehr oder weniger stets gerecht werden. Fast immer ist es ein Gewissenskonflikt, eine ethische Brenzligkeit, Zivilcourage, Überzeugung aus Angst oder eben eine Frustration, die gegen die eigene Überzeugung stimmen muss. Tendenziell entscheidet der Film in der Menge an Konflikten eher zugunsten der Polizei, à la „Die Gesetze sind zu lasch, es mangelt an Führung in solchen Fällen.“. Gibt man dem besorgten Bürger damit nicht Grund zur Sorge, dass die Polizei auch angeblich heute noch nicht das Rechte tun darf? Und dann auch noch gegenüber einer Presse, die das Spektakel frech und falsch für sich einnimmt? Nun, der Film ist in Wirklichkeit dann doch nicht fähig, irgendwas in der Sache aufzuwiegeln. Bei ihm verschwimmen die Ereignisse im Trauma der Machtlosigkeit und haben bei der Deeskalation des Individuums schlicht keine Zeit für Empörung. Unterschieden wird hauptsächlich zwischen Opfern, Tätern und denjenigen, die das Ganze beenden wollten. Dass es an jeder Stelle hunderte an Schaulustigen gab, will man dem Zuschauer daher auch eher verheimlichen, sonst müsste er den moralischen Diskurs der Handlungsunfähigkeit eventuell ja mit sich selber anstelle derer innerhalb dargestellter Machtpositionen führen. Puh, ein schwieriges Themengebiet, ganz bescheiden gesagt! 

Ich weiß jetzt gar nicht mal so recht, wie’s euch als Leser geht. Hmm, habt ihr denn in dieser Ausgabe an Tipps genügend Tipps erhalten? Ich weiß, diesmal ist wieder so eine Reihe zustande gekommen, in der ich eher die thematische Connection der Filme untereinander ausschreiben wollte. Dabei hab ich erstmals dank feiner Ausleihe vonseiten Siggi Bendix' einige teils grandiose Selbstläufer gesehen, wie z.B. „The Purple Rose of Cairo“, „Zwei Tage, eine Nacht“, „Ein Amerikaner in Paris“, „A.I. – Künstliche Intelligenz“ und vor allem „Vertigo – Aus dem Reich der Toten“! Herrje, was für eine Auswahl – aber die Sache ist ja die: Ihr kennt sie schon und ich habe mich vor lauter Ehrfurcht erstmal zurückgehalten, Deutungen und Meinungen zu schreiben, die bei solchen Werken bestimmt schon zu Genüge ausklamüsert wurden. Tja… aber einen habe ich gesehen, der ist vielleicht nicht ganz so weitläufig im Kanon verewigt – und zwar Klaus Lemkes schöner kurzer „Mein schönes kurzes Leben“ von 1970. Der ist schmissig, elliptisch, vollkommen im Hier und Jetzt seines Problemfalls Mischa (Michael Schwankhart) auf geistiger Achterbahnfahrt, todtrist binnen der BRD-Großstadtmoloch-Monochromatik gejagt und doch höchst romantisch, keck und im Faustrecht, drogenschmuggelnd/-klauend und mit der Vergänglichkeit flirtend, in Wohnungen gammelnd oder an der Würstchenbude aufgedreht, total salopp nachsynchronisiert oder zaghaft mit der Sprache der Augen rausrückend, Musikvideo und urbanes Winter-Fegefeuer, im Spiegelspaß des Konsums wiederbegegnend, auf Erfolgskurs in der Plattenbranche gen Hamburg pendelnd und doch mit der Eifersucht auf der Flucht, überall von rabiaten Bullen und Gangstern gesucht und dennoch an der frischen Luft labend, ein Bonvivant der Anarchie und garantiert sterbendes Systemopfer zugleich. Was für ein himmlischer Ritt. Nach dem Film war’s dann nur noch halb so schlimm, dass ich am selben Abend im Folgenden die Oscars sehen musste. Aber wir kommen vom Thema ab - man liest sich beim nächsten Mal, danke!

Tipps vom 14.09. - 20.09.2015

Die vorletzte Woche für unsere Hans W. Geißendörfer-Retrospektive auf CEREALITY.NET befasst sich mit den folgenden Filmen in chronologischer Reihenfolge:

BUMERANG - BUMERANG - "[...] Frechheit siegt mit Cleverness im sympathisierenden Cine-Protest. Geißendörfers Film wirkt ohnehin besonders lebhaft, wenn er mit seinen Teenagern sympathisiert, diese als bodenständigen Zeitgeist gegen die Verlogenheit der Obrigkeit zeichnet und im Coming of Age zwischen Kassettenrekordern, Aktionspostern und selbst gebastelten Funksprechanlagen aufnimmt. Dennoch bleibt eine unvermeidbare Distanz, die nicht nur vom Zeitkolorit ausgeht (Wackersdorf wurde im Nachhinein ohnehin als atomarer Standort fallen gelassen), sondern auch vom Ernst der Situation, dem Geißendörfer die nötige Portion Realismus einverleibt. Gerade dieser beißt sich aber (bewusst) mit dem lockeren Verständnis des Films zu seinen Protagonisten. Es hat etwas Ehrliches, aber auch Befremdliches inne, was durchaus als aneckende Qualität verbuchbar ist. [...]"

(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen.)

GUDRUN - "[...] Selbst in Freundschaft und Verfolgung lauert das Ego, die Bewährung für eine indoktrinierte Aufgabe, der Drang zum Vorteil. Alles ist offen, doch man will geschlossen sein. So wie sich Fritz in den Reihen der HJ wissen will und darum betet, dass auch sein Vater die Wege des Führers einsieht, sehnt sich Gudrun nach der Familie, sprich der Rückkehr des Vaters oder Versöhnung von Mutter und Großmutter. Letztendlich müssen diese drei Generationen an Frauen ein Opfer durchstehen, das totgeschwiegen und doch eindeutig von jedem wahrgenommen wird. In aller Stille lässt sich auch alles hören. Im Nachhinein um Vergebung zu bitten, das Unrecht nicht gesehen zu haben und Märchen auftischen zu wollen, ist nur vergebene Mühe. [...]"

(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen.)

CLARENCE - STAFFEL 1 - Bock auf irre Abenteuer zu haben, hat man Ende zwanzig schon fast vergessen, wie es scheint. Gut, dass ein Clarence da noch zeigt, wie verspielt und unbedarft man den Alltag angehen und sich sogar mit dem Schulraudi anfreunden kann (selbst wenn dieser das mal so gar nicht sieht). Nicht, dass die Serie deshalb fern von der Realität heranwachsender Veränderungen wäre, aber sie schafft es dennoch, jede Folge mit Komik und Kreativität in einen eigenwilligen bunten Rahmen zu setzen und dabei Erinnerungen ans lange Aufbleiben, Herumtollen, Idolisieren von Fernseher & Spielfiguren, das Abhängen mit Kumpels sowie die ersten Begegnungen mit Mädels zu wecken. Ob es nun nachts durch den Wald gegen den Schlaf geht; Doppel-Geburtstage auf der Bowlingbahn gefeiert werden; Clarence und Co. mit den Eltern zu einer Feier eingeladen werden und dort nach zuckriger Unterhaltung auf dem morschen Dachboden suchen; Videogames, Fahrräder, Fast-Food und Schwimmbäder die Freizeit im duften Sommer bestimmen:

Alles kennt man irgendwie und ist in den Augen von Clarence, dem wilden Sumo und dem übervorsichtigen Jeff ein Kaleidoskop der Kindheit, an dem man sich für elf Minuten pro Folge die Finger mit Fruchteis einsauen, die Knie aufschürfen und die Klamotten in der Modder dreckig machen darf. Fantasievoll, absurd und im Humor nicht schlicht auf einfache Kinderbeschallung geeicht (manche Pointen können Lachkrämpfe verursachen), geht die Sache ohnehin noch urkomisch von statten, solange alles möglich scheint und für liebenswertes Chaos sorgt. Wohlgemerkt in einem Zeichenstil, der gleichsam klobig, drollig und irre auf einmal sein kann. Soweit ich das beurteilen kann, am besten im Originalton schauen.

KID-THING - Die Zellner-Brüder schauen mit Kinderaugen in die texanische Einöde - nicht gerade mit der drolligen Unschuld jener heranwachsenden Menschenbrut, sondern mit einer Anarchie im provinziellen Trott unterwegs. Nicht, dass dieser Ansporn als Ader der Filmerfahrung wirklich ausgesprochen oder mit Outsider-Pathos untermauert werden muss, so einfach macht man sich es dann doch nicht - andere Werke würden sich ja einen abquälen, um diese Selbstverständlichkeit an ein uneingeweihtes Publikum zu vermitteln. So stilisiert sich das Geschehen mitunter als stiller Impressionismus, der mit dem nihilistischen Ablauf des Films einhergeht und Atmosphäre aufbaut, doch ein formelles Regelwerk wird nur bedingt angewendet. Dafür lässt sich „Kid-Thing“ immer eine Handvoll Ablenkungen offen, die nicht mal unbedingt ins Krasse und Absurde abdriften oder respektlosen Shock-Value auftischen müssen. Der Film verwehrt sich eben einem gängigen Prinzip, wie es vielleicht schon „Gummo“ als Vorbild übte, nur eben, dass hier kein hyperventiliertes Experiment im Chaos angezettelt werden muss. Die einfache Beobachtung ist stattdessen des Zuschauers Freund im Alltag der kleinen Annie (Sydney Aguirre - bester Nachname!), vollkommen kohärent in der Aufnahme des Eigensinns und gleichsam kurzweilig vom narrativen Konsens gelöst.

Ein möglichst kleiner Spannungsbogen ist schon vorhanden, ob Annie nun Esther (Susan Tyrrell - nicht zu sehen, aber zu hören) aus dem Loch im Wald holt. Es erhebt dramaturgisch vielleicht keinen allzu relevanten Anspruch, bringt allerdings in Abständen ein Mysterium in die Sache, das recht schön den Kontrast von Verantwortung und kindlicher Naivität im Angesicht mit der Ungewissheit einer armen Freiheit herausstellt. Letztere ist eben ungezwungen, aber im Mangel der Mittel eine Apokalypse der Faulheit. Das Haus/die Farm, auf der Annie mit ihren Vätern (?) lebt, ist zu hundert Prozent urig, ein Messi-Himmel für verschlafene Rednecks und doch so herzlich wie unsentimental. Empathie kann man woanders suchen, denn Annie stiehlt, mischt andere Kids auf und beschießt Kadaver mit Paintballkugeln. Viel bleibt ihr dabei nicht zu sagen übrig, der Lauf der Dinge wird schlicht von ihrer Laune einer Raudi-Kindheit bestimmt und damit basta. Darin zeichnen sich Stillleben der Ziellosigkeit, wie sie auch in nächtlicher Sommerhitze für knapp achtzig Minuten Laufzeit durchweg überraschen, aber keine Aufregung dafür vortäuschen müssen. „Kid-Thing“ präsentiert ein Abenteuer der Langeweile, das in seiner schlichten Schönheit fix zum Bleiben einlädt und sich doch mit unbelasteter Distanz selbstständig belässt.

WACHTMEISTER RAHN - Vorweg die obligatorische Nachricht: Wie es mit so ziemlich jedem Ulli-Lommel-Film ist, muss man auch hier eine Spur Dilettantismus und schleppendes Erzähltempo einberechnen. Schon zu Anfang hält die Baustrahlerbeleuchtung auf stationäre beziehungsweise per Hand eingefangene Kameraeinstellungen drauf, die gleichsam von einem holprigen Schnitt sowie Darstellern erfüllt werden, die teilweise nicht allzu natürlich durchs Ambiente wandern und zudem noch dementsprechende Synchronstimmen beherbergen. Nicht, dass es viel vom eigentlichen Inhalt des Films ausmacht, aber ein Stück mehr Sorgfalt hätte den Rahmenbedingungen noch eine einvernehmendere Funktion verliehen. Aber genug der oberflächlichen Kritik, gemessen an seinen Mitteln erzählt Lommel nämlich ein stimmiges Drama der Gefangenschaft im Alltag. Stumpf und aussichtslos ist da die deutsche Perspektive in Ernst Rahns (Hans Zander) Großstadtleben zwischen Pflicht im Polizeirevier und Rückzug zur Liebe im Gesetzlosen. Schon früh im Film stellt seine Erschießung von Räubern für die Kollegen eine aufregende Heldentat dar, doch er könnte in seiner Schuld kaum ferner von deren Mentalität sein. Stattdessen weiß er nicht wohin mit seiner Macht, wie auch manch anderer Kollege Angst vor der Begegnung mit dem Zeitgeist der RAF hat.

Rahn packt selbst bei kleinen Verkehrssündern die Wut, doch ein souveränes Männlichkeitsbild kann er in jenen klaustrophobischen Zeiten im Trott des geteilten Deutschlands unmöglich vermitteln. Die psychologische Verinnerlichung der individuellen Unfähigkeit ist bei Lommels (manch einer möchte sagen: ebenso mit Unfähigkeit befleckter) Inszenierung ein entscheidender Faktor in nüchterner Beobachtung; sein Drehbuch ohnehin konkret und mit Dialogen der Ungewissheit ausgestattet, die etwas steif vorgetragen werden und Unterweltsprache spekulieren, aber nie ins Plakative abdriften. Mit reißerischen Impulsen hält sich der Film ohnehin durchweg zurück, dafür zeichnet er eine omnipräsente Trostlosigkeit auf der Suche nach Anerkennung und Liebe. Rahn trifft auf diesem Wege den homosexuellen Straftäter Johann (Rainer Will) - übrigens in einer ziemlich ausgeklügelten Kameraeinheit der Begegnung, die Spannung und Neugierde ohne Worte einfängt - und möchte ihm näherkommen, fühlt sich bei ihm sicher mit dem inneren Leiden. Und obwohl Johann Ernst durch Komplize Walter (Jeff Roden) zur Beteiligung an Strafdelikten reinlegt, will Rahn an jene Liebe so weit es geht glauben; Johann sogar aus der Szene herausholen, obwohl dieser nur bedingt dieselben Gefühle für den Wachtmeister empfindet.

Auf die Selbstlüge Rahns folgt dessen Verzweiflung sowie ärztliche und familiäre Einschätzungen, die an ein tiefer gehendes Verständnis jenseits der gemütlichen Eindeutigkeit kein Interesse haben. Seinen Ausweg muss er sich selber wählen, aber dieser zerstört alles, obwohl er noch die Maske der sozialen Gefälligkeit gegenüber anderen aufrecht erhalten wollte. Ein tragischer Charakter, aber keiner, dem in seinen Entschluss Pathos entgegenkommt, sondern schlicht der lautlose Schock. „Wachtmeister Rahn“ kann sich dabei nur trist und dröge geben, weil sein dargestelltes Schicksal in genau solche traurigen Bahnen verläuft. Nicht, dass er damit alle Redundanzen abwehren könnte, dafür ist Lommels Regie trotz dramaturgischem Minimalismus manchmal zu unkonzentriert im stilistischen Nirgendwo unterwegs - ganz zu schweigen von der Darstellerführung, die beinahe ausschließlich im Zander-Will-Roden-Trio zur überzeugenden Beobachtung der Zwischenmenschlichkeit einlädt. Allerdings sind alle anderen Randfiguren auch von sich aus schon Angepasste ohne Sinn für Beteiligung. Nicht jede Kunst ist Zufall, nicht jede muss geplant sein. Je nachdem, wie viel man Lommel davon abkauft, bleibt trotzdem noch ein recht konsequentes Abbild von Verlorenheit und Einsamkeit, trotz des zugegebenermaßen räudigen Zeitkolorits in aller Aktualität über.

YAKUZA APOCALYPSE - "[...] Zwar bremst er sich zeitweise aus, um Unbedeutsames mit Genuss zum bedeutenden Himmelfahrtskommando zu stilisieren. Aber Prügel, Plüsch, Plattfüße und Panik im Slapstick-Modus dürfen nicht fehlen, wenn Hämoglobin und Muttermilch spritzen, Vulkane ausbrechen und Faustduelle um einen Megapunch pro Minute ringen. Es ist nicht schwer, bei diesen Eindrücken durchzublicken, vielmehr, was sie als Gesamteinheit überhaupt miteinander zu tun haben. Und fürwahr, die Nonsensparade bleibt in ihrer Vielfalt und vor allem ihren Männlichkeitsidealen eher bewusst bekloppt. Dem Charme kann man dennoch nicht widerstehen, befriedigt er doch die Ungewissheit mit ungewissem Wahn und einigen famosen Pointen darin [...]"



(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen.)

Bonus-Zeugs:

MAX - "[...] Ein leidlich maskierter Propagandafilm, der promilitärische und patriotische Tendenzen für Kinder salonfähig machen möchte. [...] Wenn man sich als anspruchsfreier Zuschauer mit durchgehender Eindimensionalität zufriedengeben kann, wird vielleicht nur das letzte Drittel im Wald die Geduld überziehen. Im Endeffekt kommt es einem fast vor, als ob man gar nichts gesehen hätte, so platt und bieder wirkt alles. [...] Ein ungünstiges Bild für einen im Kern unbedarften Genrefilm, der als Mittel zum zweifelhaften Zweck missbraucht wird und mit seinem Kitsch konservative Weltbilder bekräftigt. „Best Friend. Hero. Marine.“ heißt es auf dem amerikanischen Plakat zum Film. Bleibt nur noch eines hinzuzufügen: „Dogshit.“"



(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen.)

CAPTIVE - "[...] Zunächst sei bemerkt, dass der hier geschilderte Fall auf einer wahren Geschichte basiert – folglich wird man jenem Stichwort eines austauschbaren Fernsehdramas gerecht und genauso kostengünstig wie frei jeder stilistischen Handschrift inszeniert. [...] Das Problem ist nur, dass sich „Captive“ brav an Vorgaben hält und die Überraschungsfreiheit seines Genres lanciert, sodass nicht nur Tempo obsolet wird. Die Entbehrlichkeit des Stoffes mag vielleicht durch die humanistische Botschaft umgekehrt werden, doch basiert auch diese auf Binsenweisheiten [...] Das wahre Verbrechen am Zuschauer lauert jedoch im Abspann [...]"



(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen.)

Tipps vom 14.04. - 20.04.2014 (Osterpause)

Diese Woche habe ich es etwas ruhiger angehen lassen, was den Schreibeoutput betrifft. Zwar kamen mir schon einige mehr oder weniger feine Filme unter, aber so recht dicke Texte über diese zu verfassen, war irgendwie nicht drin - sei es aufgrund der Feiertage oder eben auch wegen der Arbeit. Nichtsdestotrotz gibt es von meiner Seite aus trotzdem eine Besprechung zum großartigen

THE MAN WHO STOLE THE SUN - "Aus dem Land der aufgehenden Sonne kommt diese düstere Satire, welche sich mit einem besonders einheimischen Thema, der Ambivalenz zur Atombombe, auseinandersetzt. Der Titel zum Film an sich vermittelt daher auch bewusst weniger eine apokalyptische Schlagzeile als eine Ablenkung davon, dass man das Atom für die Sonne, für die Chance zum Aufstieg in der Weltordnung sieht – doch hinter diesem Glanz verbirgt sich auch bekannterweise der Tod. Diese kritische Haltung dürfte im internationalen Rahmen des Wettrüstens nicht so angenehm aufgenommen worden sein, weshalb Kazuhiko Hasegawas Werk auch kaum außerhalb Japans aufgeführt wurde. Dabei stellt es bis heute einen derartig effektiven Weckruf dar, den höchstens noch der ebenfalls aus dieser Problematik geborene Godzilla so präzise erzeugen kann. [...]"

(Die komplette Kritik gibt es auf CEREALITY.NET zu lesen)


sowie eine weniger enthusiastische Kritik zum nächsten 'Neuer-Deutsche-Genrefilm'-Rohrkrepierer 'STEREO' hier bei Den Drei Muscheln:

"[...] So hadert Vogel als latent-spießiger, ruppiger Werkstattbesitzer Erik in gemütlich-teutonischer Dorfkulisse mit dem psychisch-belastenden Geist Moritz Bleibtreus namens Henry, den nur er sehen und hören kann (man denke an den Galaxius vom Saxilus aus „Familie Feuerstein“) und der sich mit kaltschnäuzig-bedrohlichen Gestus sowie infantil-verruchtem Rumgefluche bewährt.

[...] „Das hätten wir nie erwartet!“, „Fuck, was geht ab?!“, „Mind blown!“ und „Coole Sprüche mit Attitude!“ will „Stereo“ mit seinem kindischem Psychothrill-Einmaleins aus seinen Zuschauern herauskitzeln, mit Zynismus und handfester Gewalt einen gewissen, „gewagten“ Biss vortäuschen. Es reichte bezeichnenderweise nur für eine handelsübliche FSK-16-Freigabe und auch wenn die augenfreundliche Kameraarbeit zusammen mit dem flott-schnurrenden Electro-Score das moderne Eisen aufheizen will, bleibt der Film mit seinen schwach-schablonenhaften Charakteren, formelhaften Dialogen und peinlich-aufgebretzelten Twists nur eine weitere, misslungen-bemühte Fingerübung im längst verlorenen Wettrennen um internationale Genre-Souveränität."


Und was gab's sonst so? Nun ja, 'ESCAPE PLAN' empfand ich als ordentlichen Genre-Reißer, welcher aber vor 20 Jahren, im Stil eines John Flynn oder John McTiernan, wirklich was Grandioses hätte werden können - ansonsten ist schon wirklich alles zum Film gesagt worden. Ansonsten fiel noch 'FAMILIE KLUMPS UND DER VERRÜCKTE PROFESSOR' auf, bei dem ich glatt 19 Fürze zusammenzählen konnte, dem aber auch immerhin anhand der computergesteuerten Splitscreen-CGI-Verbindungstechnik mit den mehreren Rollen Murphys größtenteils echt 'seamless'-glänzende Effekt-Pionierarbeit gelungen ist - was beweist, dass sich selbst in einem Wust von Fäkal- und Sodomie-Gags der ein oder andere filmhistorische Nugget finden lässt. Das Gehirn gab jedoch auf, sobald es um 'UNSERE TOLLEN TANTEN IN DER SÜDSEE' ging - ich sag nur eins: Gus Backus in Frauenkleidern, Gorilla-Kostüme, ein Tarzan-Abklatsch namens Zongo, sprechende Kamele - pure Hysterie! Mit Liedern wie "RUM, RUM, RUM, COLA MIT RUM!" und einer Flugzeug-Notlande-Sequenz an ganzen 3 Puppen-Fäden. Dagegen waren 'LIEBE, JAZZ UND ÜBERMUT', sowie Helmut Käutners 'LAUSBUBENGESCHICHTEN' noch harmlos. Aber was erzähl ich euch, diese Woche geht's mal nicht darum, was ich gesehen habe - befasst euch doch stattdessen lieber mit den Geschenken und Eiern, die euch der liebe Osterhase gebracht hat. Also ein Hoch darauf und auf Wiederlesen bis zum nächsten Sonntag!